Robert and 4th streets and Skyway Ecolab Entrance
March 19–June 12, 2022
In Mestizaje: Intermix-Remix, eight Latinx artists (identifying as Chicano, Chilean, Colombian, Mixteco, Mexican, and Mexican-American) explore what it means to claim a mixed-race identity consisting of both Indigenous and European descent.
The concept of mestizo (having Spanish-Indigenous ancestry) originated in the sixteenth century as part of a racial designation system created by Spanish and Portuguese colonizers in what is now considered Latin America. Today, the violent and lasting impacts of colonization can be difficult to fully comprehend.
Without seeking definitive conclusions or definitions, artists Marcela Rodríguez Aguilar, María José Castillo, Luis Fitch, Bobby Marines, Dougie Padilla, Maria Cristina Tavera, Xavier Tavera, and Vlocke Negro explore questions of ancestry and identity.
This exhibition, on view in the M’s public-facing windows and skyway entrance, is the first iteration of a long-term collaboration between the M and the art collective Grupo Soap del Corazón (art that cleanses the heart). Grupo Soap has been centering artistic expression of Latinidad in the Midwest for more than twenty years. The collective advances the work of local, national, and international Latino/a/x artists with the intention of inspiring political, economic, and racial justice through the doorways of art. Curated by Dougie Padilla and Xavier Tavera, founders of the artist collective Grupo Soap del Corazón.
Learn more about Grupo Soap del Corazón here.
In an interview with Carleton College, Xavier Tavera said, “Mestizaje is a word that the Spaniards came up with when they arrived. It’s a colonizing word, and it means mixed. The exhibition asks, ‘What does it mean to be mestizo?’ What does it mean that we are part of two cultures? How do we assimilate that? Repel it? Fight it? There are a lot of questions, and there is a constant fight in our bodies and in our minds.”
Thursday, March 31, 6:00–7:00 p.m. CDT Watch the recorded program: Celebrate the opening of the exhibition by joining featured artists Dougie Padilla, Xavier Tavera, and Maria Cristina Tavera for a […]
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Conversation | Mestizaje: Past, Present, Future Thursday, May 12, 6:00–7:30 p.m. CDT Watch the recorded program: Join scholars Karen Mary Davalos and Olga Gonzalez with moderator Xavier Tavera, curator of Mestizaje: Intermix Remix, for an in-depth conversation about the complexities of […]
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Join a guided tour of the exhibition Mestizaje: Intermix-Remix featuring seven Latinx artists from the art collective Grupo Soap del Corazón. Then, head inside the museum to create a small screen printed fabric patch to pin on your jacket. Pick up a limited edition poster to add to your collection.
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Conversation | Mestizaje: Past, Present, and Future
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Marcela Rodríguez Aguilar
Marcela Rodriguez is a contemporary artist whose work and education span many mediums. Born in 1965, Marcela grew up along the rugged Southern Chilean coast. The vast Patagonian landscape and turbulent Pacific Ocean greatly influenced her. While in college, she discovered street theatre and began performing with two important Santiago theatre troupes. This provided a tremendous experience in the arts. Living under a dictatorship, which brutally repressed dissent, marked her understanding of the power of art.
In 1992, she moved to Minneapolis, USA, and obtained a bachelor’s degree in Theatre Arts and an MFA with a concentration in painting and drawing. In 2001, she moved back to Chile and in 2016 she learned printmaking, focusing on lithography.
She has completed two art residencies for printmakers, including a month-long one in Veracruz, Mexico at La Ceiba Grafica in 2018 and with renowned artists from “Taller 99” in Santiago, 2019. She currently lives and works as a visual artist in Concón, Chile.
Marcela Rodríguez Aguilar (born in Talcahuano, Chile; lives in Concón, Chile)
Pacha Map, 2022
acrylic and oil on wood panel
In this luminous painting, Marcela Rodríguez Aguilar visualizes her questions about the complex forces that shape mestiza identity. The four winds from the north, south, east, and west blow toward an allegorical figure at the center that represent the mestiza. Resembling a waxing gibbous moon, the figure—with one blue eye and one green—is an expression of duality held within a singular being. Morning glories— protective, medicinal, and spiritual flowers, which change color depending on the light—span the southern and northern hemispheres.
The artist looked to maps for inspiration because they are imperfect tools of wayfinding. They project three-dimensional spaces onto flattened, two-dimensional surfaces. Similarly, geography, culture, language, and history are some of the intersecting factors that give shape to identity, but they cannot fully account for how it is experienced.
Born in Chile, Rodríguez Aguilar became aware of the complexities of her own identity when she lived in the United States from 1992 until 2001. Now again living in Chile with her family, she is the mother of Chilean-US American, mixed-race children who speak English and Spanish. “We are intermixed,” she explains, while continuing to wonder what makes them who they are.
Maria José Castillo
María José Castillo is a Colombian artist and graphic designer, currently living in Minnesota. Along with commercial work, María José cultivates an art practice that feeds off of their curiosity with language and communication using poetry, printmaking, editorial design, lettering and illustration as their main media.
María José Castillo (born in Montería, Córdoba, Colombia; lives in Minneapolis, Minnesota, US)
El Río Sinú / The River Sinú, 2022
vinyl reproduction
In the visual poem El Río Sinú / The River Sinú, María José Castillo reflects on their cultural background as a mestizo with ethnic origins rooted in historical conflict. Through interviews with family members, Castillo collected information about their ancestors and contemporaries who have lived in the Sinú Valley in Colombia. These conversations shed light on their ancestors’ relationship to the land—as farmers and cattle ranchers, mostly—and their genealogy.
Featuring Castillo’s family history and their migrational movements, the poems demonstrate ways the Spanish conquest altered the social and natural landscapes. As part of this conquest, Indigenous stories, language, and culture were erased, a reality that continues today and makes it challenging to grasp the rich history and legacy of Indigenous people in its entirety. Castillo aims to change the narrative by positioning the reader in the place of the conquered, instead of the conqueror—a place not usually prominent in history books.
The Zenú or Sinú people’s ancestral lands include the valleys of the Sinú and San Jorge rivers and the coast of the Caribbean around the Gulf of Morrosquillo—modern-day areas of Córdoba and Sucre. With a rich history prior to colonization spanning from 150 BCE to 1600 CE, today, there is an estimated population of 300,000 Sinú people in Colombia.
Luis Fitch
Luis Fitch is an internationally-known artist, designer, mentor and creative entrepreneur who is currently the founder of UNO Branding, a multicultural, strategic visual communication agency.
Raised in Tijuana, Mexico, Luis moved to the US in 1985. There he attended the prestigious Art Center College of Design at Pasadena, California. He graduated in 1990 with a Bachelor of Fine Arts degree.
While he has enjoyed great success with commercial art through his agency UNO, his artwork has been presented nationally and internationally and is in more than 100 collections in Latin America and the US.
With the accelerated growth of the Latinx population in the US, Luis is anxious to insure this community is served. “More than ever in the new face of America there is a great opportunity to make art centered primarily in Latinx themes with a cross-over appeal,” says Luis Fitch.
Bobby Marines
A native of Robstown, Texas, a city once listed as “Most Dangerous” by FBI and “Worst City in Texas” in USA Today, Bobby Marines is a Minnesota-based artist whose work considers the influence of socio economics, race, and the criminal justice system on Chicano(x) identity. Growing up engulfed by poverty, gang culture, and drug epidemics, his interdisciplinary practice references personal experiences which reflect the candid reality of marginalized and underserved communities today.
Bobby Marines (born in Robstown, Texas, US; lives in Minnesota, US)
Ballin’, 2022
acrylic, enamel, glue, plastic, and eggshells on canvas
In Ballin’, a title that comes from the slang term for ostentatious wealth, Bobby Marines investigates a false sense of social mobility for Latinx people of mixed-race descent. Framing the central figure are sixteen eggshells, or cascarones, a symbol of the resurrection of Jesus Christ for Catholics across Latin America that is often used during Carnival and Easter celebrations. These cascarones create a gradient of various tan and brown shades that reference the sixteen subcategories of the casta system that structured colonial society from the sixteen to nineteenth centuries across what is now known as Latin America.
The Spanish and Portuguese created the casta system to maintain power and superiority over other racial groups and mixed-race people of European, Indigenous, and African ancestry. It was also used to determine people’s social and economic standing within society. Social mobility was possible within the system by purchasing a higher status, which essentially allowed people to buy whiteness.
In this artwork, Marines represents the idea of using materialism as a means of social mobility through a silhouette in profile covered in fake jewels. For some Latin Americans and their descendants in the United States, purchasing high-priced luxury and designer goods can be a symbol of affluence and privilege. However, in a white society, materialism does not provide mixed-race people with social mobility, as they are still considered racially inferior.
Bobby Marines (born in Robstown, Texas, US; lives in Minnesota, US)
Blessed, 2022
acrylic, enamel, and charcoal on canvas
Bobby Marines’ mixed media painting explores ideologies and their influence on the societal value placed on people. He examines the ways these belief systems are passed down from generation to generation, or unconsciously through social norms and culture. At the center is a portrait of Marines wearing a crown of thorns, a reference to his Catholic upbringing and the Christian idea that humans are innately born with sin. Around the perimeter are symbols of ancient and Eastern religions, numerology, and philosophy. Taken from the artist’s personal tattoos, these symbols represent global belief systems, and each provides different perspectives on human life.
Dougie Padilla
Dr. Swami Lucky Dougie Padilla is a self-taught visionary artist of Norwegian/Mexican/cowboy roots living in the wilds of Northfield, Minnesota, and Pepin, Wisconsin. In his 73 years, he has lived in a tent thru a sub-zero winter, farmed soybeans, survived the psychedelic travails of Haight-Ashbury, created and lost a million dollar a year business, fought against the war in Vietnam, meditated and lived with his guru in India, done thousands of drawings and paintings, co-founded numerous organizations and businesses. Among occupations he has counted: artist and arts and civil rights activist, farmer, blacksmith’s apprentice, jade cutter, housepainter, sportswear designer, psychic, carpenter, yoga instructor, and hospital orderly. He learned to sight sing Bach cantatas at age 11, lasted two embattled years in college, wandered schizophrenic on the streets of Chicago, had his first heart failure at age 20, helped birth his daughter in a rural commune, and coached and played soccer until his foot didn’t work anymore (age 51).
He has studied life and spirituality with Swami Vishnudevananda, Swami Venkatesananda, Stephen Gaskin, Katagiri Roshi, Bhagwan Shri Rajneesh (Osho), Michael Macmacha, Robert Bly, James Hillman, Malidome Some’, Echo Bodine, and Martin’ Prectel, among others. He sees the CoBrA School, Alice Coltrane, Federico Garcia Lorca, Howard Finster, Louise Nevelson, Louise Erdrich, Yusef Lateef, Jim Harrison, Manuel Mendive, Artemio Rodriquez, Friedensreich Hundertwasser, Gary Snyder, Marc Chagall, Gabriel Garcia Marquez, Norval Morrisseau, and Nikki de Saint Phalle as a few pillars of his aesthetic universe.
He has shown at the Museé Halle Saint Pierre in Paris, France, the Centro Cultural Ex-Carcel in Valparaiso, Chile, Projek Traum in Friedrichshafen, Germany, the Minneapolis Institute of Art and The Fredrick Weisman Art Museum in Minneapolis, Minnesota, the Plains Museum in Fargo, North Dakota, the National Mexican Museum of Art in Chicago, Illinois, and countless galleries throughout the Twin Cities and the U.S.A. Padilla has served on boards and committees of numerous arts non-profits and educated and mentored artists of all ages. He has curated and organized exhibitions and art events at all levels. For this he has received four Minnesota State Arts Board Artist Initiative Grants, the Northeast Minneapolis Arts District Vision Award, several Ofrenda awards from CreArte, Chicano Latino Cultural Center and Museum, the Jerome Foundation Travel Grant, many museum “Best of Show” awards, Minneapolis’ City Pages’ “Artist of the Year,” and was included in Twin Cities Public TV’s MNOriginal and “Forgiveness” series as well as the subject of a the film portrait “lucky dougie padilla” by Xavier Tavera. He has been married to his wonderful wife Susan for 32 years, has two great kids, and four very delightful grandchildren.
Dougie Padilla (born in Cedar Rapids, Iowa, US; lives in Northfield, Minnesota and Pepin, Wisconsin, US)
Mestizo, 2021
mixed media (spray insulation foam, latex house paint, and spray enamel on plywood)
A meditation on paradox in the form of spray foam on plywood, Mestizo speaks to Dougie Padilla’s habit of philosophizing using humble, everyday materials. Padilla’s visual universe is filled with zoomorphic figures, representing his belief in the likeness and kinship between humans and animals. Here, two beings, one white and the other mestizo, commune in friendship. A nod to the ying and yang of Chinese philosophy, these figures represent Padilla’s understanding of the relationship between difference and oneness. Padilla states, “We must address privilege and difference in all of its forms—and not in the ‘new age,’ superficial way, because then we won’t make progress—while also resting in our oneness.”
A life of seeking and studying spirituality has made Padilla comfortable with such tensions and contradictions. Padilla is a self-taught artist with Norwegian/Mexican/cowboy roots and a storied life.
Maria Cristina Tavera
Minneapolis-based artist, Maria Cristina (Tina) Tavera investigates the constructions of racial, ethnic, gender, national and cultural identity via numerous mediums including printmaking, leather tooling, installation, and public art. The artwork focuses on the Latinidad within the United States. Through an ethnographic lens, she identifies and examines cultural signifiers determined by our society on how people define themselves and their cultures in everyday life.
Maria Cristina Tavera is a dual citizen with Mexico and the United States. Tavera holds a Master of Leadership in the Arts from the Humphrey School and a BA in Spanish and BA in Latin American Studies from the University of Minnesota. She has exhibited nationally and internationally and has received fellowships and grants: McKnight Visual Artist Fellowship, Archibald Bush Leadership Fellowship, Shannon Leadership Institute, Smithsonian Latino Museum Studies program, Museum of Modern Art-New York, Forecast Public Art, Minnesota State Arts Board, Metropolitan Regional Arts Council (MRAC), and Institute of Mexicans Abroad (IME).
Her artwork can be found in the collections of the Weisman Art Museum, Fargo Plains Museum, Oglethorpe Museum, Tweed Museum of Art and the Biblioteca Central de Cantabria, Santander, Spain. As an independent curator, she prepared the international exhibition Sus Voces: Women Printmakers in Mexico at Highpoint Center for Printmaking, Minneapolis, Minnesota, and was co-curator for American Art its Complicated at the Minnesota Museum of American Art (“M”). Her writings have been published by the Walker Art Center, Minneapolis Institute of Arts, as well as in a book titled, Mexican Pulp Art.
Maria Cristina Tavera (born and lives in Minneapolis, Minnesota, US)
Unanchored and other conflated issues, 2022
vinyl reproduction
In Unanchored and other conflated issues, Maria Cristina Tavera illustrates an interaction between Spanish conquistador Hernán Cortés and La Malinche, an enslaved Indigenous woman who became Cortés’ interpreter, guide, and mistress. Originally known as Malinalli, Malintzin, or Doña Marina, La Malinche’s reputation has shifted throughout time, especially after the early nineteenth century when Mexico reclaimed its independence from Spain. She became widely regarded as a traitor for aiding Cortés in the conquest of Mexico. Yet, as the mother of his son, La Malinche has also represented the original ancestor of mestizos.
Inspired by Spanish depictions of La Malinche during the colonial period, Tavera shows her pointing at Cortés in an accusatory manner while he becomes entangled by two anchors. The anchors are controlled by demons and symbolize Cortés’ pursuit to plant himself in another land through violence. In contrast, La Malinche, a victim and survivor of enslavement, is caught by winding tentacles, suggesting her life’s predetermined circumstances led her to abet Cortés.
In 2019, five hundred years after the Spanish conquest, two ship anchors were discovered off Mexico’s Gulf Coast that may have belonged to Cortés’ fleet. As more information about the Spanish colonization of what is now known as Latin America surfaces, many people of mestizo ancestry experience an inner struggle when coming to terms with having both colonized and colonizing ancestors and navigating society as a person of mixed race.
Xavier Tavera
After moving from Mexico City to the United States, Xavier Tavera learned what it felt like to be part of a subculture—the immigrant community. Subjected to alienation has transformed the focus of his photographs to share the lives of those who are marginalized. Images have offered insight into the diversity of numerous communities and given a voice to those who are often invisible. Tavera has shown his work extensively in the Twin Cities, nationally and internationally including Germany, Scotland, Mexico, Chile, Uruguay and China. His work is part of the collections of the Minneapolis Institute of Art, Plaines Art Museum, Minnesota Museum of American Art, Minnesota History Center, Ramsey County Historical Society and the Weisman Art Museum. He is a recipient of the McKnight fellowship, Jerome Travel award, State Arts Board, and Bronica scholarship.
Xavier Tavera (born in Ciudad de México, México; lives in Minneapolis, Minnesota, US)
El Duelo/The Duel, 2021
vinyl reproduction
With a bit of humor, Xavier Tavera stages El Duelo, a retake on the showdown between the morally unambiguous “good guy” and “bad guy” often seen in Hollywood Westerns. Within the Hollywood tradition, the American cowboy is always presumed white, with the Mexican cowboy (vaquero) often appearing as the mustached villain in a sombrero. Through his photographic work, Tavera has shed light on real Mexican cowboys in Minnesota—specifically migrant agricultural workers in rural Minnesota—in an effort to challenge the stereotypes and redefine the image of the cowboy in more expansive terms.
In El Duelo, Tavera dramatizes an interior battle between the Mexican cowboy and himself, a reflection on the conflicted experience of being mestizo, of both the colonized and the colonizer. “How do we assimilate that? Repel it? Fight it? There are a lot of questions, and there is a constant fight in our bodies and in our minds,” he says. Over the course of his own explorations of his ancestry and identity, Tavera has come to reflect on the misconceptions we have of our own selves, asking: what do we acknowledge, and what do we want to ignore?
Xavier Tavera (born in Ciudad de México, México; lives in Minneapolis, Minnesota, US)
Cafres, 2022
vinyl reproductions on car hoods
In this series of portraits on car hoods, Tavera honors his subjects, Albert “Ace” Garcia, Maricella Herrera, and Ruben Urrutia. Each is associated with a representation and embodiment of Latinidad that is often subject to stereotyping—the ex-convict, the beauty queen, and the border crosser. Through his direct and sensitive portrayals that combine photography with digital drawings, Tavera celebrates their self-expression through adornment and pays tribute to their lived experiences. One of the defining features of Tavera’s photographic practice is the connection he builds with his subjects over the course of long-term relationships.
The use of car hoods as surfaces and backgrounds for the portraits makes reference to lowrider Mexican-American cultural tradition, which involves self-customizing vehicles with rims, paint, and hydraulics and gathering to cruise and show off cars. Tavera is interested in the loud, flashiness of lowriders, in contrast to the low-profile personas of undocumented immigrants fearful of being noticed. This contrast highlights lowrider cultural practices as sources of empowerment and creative freedom under broader social circumstances of scrutiny and constraint.
Vlocke Negro
Vlocke Negro is a multi-disciplinary artist that uses public space as principal platform of expression. Political scientist and autodidact of the street, Vlocke Negro uses graphic art, muralism, and installation to reflect on phenomena such as migration and the power and cultural structures that sustain colonialism today. Vlocke Negro has had the opportunity of getting to know different countries of Central and South America such as El Salvador, Honduras, Colombia, Ecuador and Perú. In these countries, the artist has carried out interventions. Vlocke Negro lived as a migrant in Berlin where he experienced migration in first hand. Born in Mexico City to Oaxacan parents, the artist resides and works between Mexico City and Oaxaca.
Vlocke Negro (Ciudad de México, México; lives in Oaxaca, México and Ciudad de México, México)
Nunca nos Conquistaron, 2022
vinyl reproduction
The strong, defiant face in Nunca nos Conquistaron is an archetype of pre-Hispanic Indigenous identity. By using a bold, graphic style to bring the figure into the present, Vlocke Negro hopes people will see a resemblance between the stereotype of a cholo of today and the Indigenous ancestor. In the artwork, the ancestor brings a message signaled by the word “nunca,” which stands for “nunca nos conquistaron,” we were never conquered in Spanish.
The word cholo has colonial roots as a derogatory term used by the Spanish to describe Indigenous and mixed-race people. Over time, it has had different meanings in different parts of the world, but in United States cholo/a has often been used as a negative stereotype to refer to Mexican Americans with racialized styles of dress and gang affiliations.
Through his use of red and black, Vlocke Negro pays homage to the Chicano Movement, and the Chicano youth who reclaimed the term cholo/a as a force of resistance in the 1960s and 70s, resulting in the emergence of the cholo subculture. A self-taught street artist, Vlocke Negro draws on traditions of graffiti and Mexican muralism to create imagery that confronts ideas and power structures that sustain colonialism.
Vlocke Negro (Ciudad de México, México; lives in Oaxaca, México and Ciudad de México, México)
Nezahualcoyotl, 2022 (top)
Piedra del Sol, 2022 (middle)
Vasija Zapoteca, 2022 (bottom)
vinyl reproduction
In this series, Mexican street artist Vlocke Negro replaces the portrait of George Washington on the US one-dollar bill with Indigenous symbols featured on Mexican pesos from past and present. Following the Mexican Revolution (1910–1920), the Mexican government introduced Indigenous symbols on currency, including the philosopher, warrior, architect, poet and ruler Nezahualcoyotl and the Aztec sunstone Piedra del Sol. These images supported a nationalistic campaign intended to assert a unified mestizo, or mixed-race identity, free from racial and cultural differences.
The meaning of these symbols shifts when applied to US paper currency, which has only featured one Indigenous person over the course of its history. In creating what he describes as a clash between the two currencies, Vlocke Negro is also commenting on the complex, entwined histories of Mexico and the United States—from territorial disputes culminating in the Mexican-American War (1846–1848) to the changing politics surround the migration of Mexican laborers to the US over the course of the twentieth and twenty-first centuries. In the context of Mexican migration, the US dollar has often been a symbol of the false promise of the American dream.
Calles Cuarta y Robert y entrada de Ecolab
19 de marzo – 12 de junio de 2022
En Mestizaje: Intermix-Remix, ocho artistas latino/latina/latinx (identificados como chicano, chileno, colombiano, mixteco, mexicano, mexicano-americano) exploran lo que significa afirmar una identidad racial mixta formada de ambas descendencias indígena y europea.
El concepto de mestizo (tener ascendencia española-indígena) proviene del siglo décimo sexto como designación racial en el sistema de castas creado por los españoles y portugueses en lo que hoy es considerado Latinoamérica. Hoy los impactos violentos de la colonización pueden ser difíciles de comprender en su totalidad.
Teniendo como inspiración ideas contemporáneas de mestizaje, los artistas Marcela Rodríguez Aguilar, María José Castillo, Luis Fitch, Bobby Marines, Dougie Padilla, Maria Cristina Tavera, Xavier Tavera y Vlocke Negro exploran la compleja y delicada idea de la raza.
Esta exhibición en las ventanas de la fachada pública del edificio del M y en los pasadizos elevados es la primera iteración de una larga colaboración con el colectivo artístico Grupo Soap del Corazón (arte que limpia el corazón). Grupo Soap ha estado enfocado en expresiones artísticas de latinidad en el Medio Oeste de los Estados Unidos por más de veinte años. El colectivo promueve el trabajo de artistas latinos/latinas/latinx locales con la intención de inspirar justicia política, económica y racial a través de las puertas del arte. La exhibicíon está curada por Dougie Padilla y Xavier Tavera, fundadores del colectivo artístico Grupo Soap del Corazón.
Conoce más sobre Grupo Soap del Corazón aquí.
En una entrevista con Carleton College, Xavier Tavera dijo: “Mestizaje es una palabra que se les ocurrió a los españoles cuando llegaron. Es una palabra colonizadora, y significa mixto. La exhibición pregunta: ¿Qué significa ser mestizo? ¿Qué significa que somos parte de dos culturas? ¿Cómo asimilamos eso? ¿Lo repelamos? ¿Lo combatimos? Hay muchas preguntas y hay una lucha constante en nuestros cuerpos y en nuestras mentes”.
Thursday, March 31, 6:00–7:00 p.m. CDT Watch the recorded program: Celebrate the opening of the exhibition by joining featured artists Dougie Padilla, Xavier Tavera, and Maria Cristina Tavera for a […]
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Marcela Rodríguez Aguilar
Marcela Rodríguez Aguilar es una artista contemporánea cuyo trabajo y educación abarca varios medios. Nacida en 1965, Marcela creció a lo largo de la escabrosa costa sureña de Chile. El vasto paisaje de la Patagonia y el turbulento Océano Pacífico le han sido de gran influencia. Mientras cursaba sus estudios universitarios, ella descubrió el teatro de calle y comenzó a actuar con dos importantes grupos de teatro de Santiago. Esto le ofreció una gran experiencia en las artes. Viviendo en dictadura, la cual reprimió brutalmente a la disidencia, su entendimiento sobre el poder del arte fue marcado.
En 1992, ella se mudó a Minneapolis, Estados Unidos, y obtuvo una licenciatura en Artes Teatrales y una Maestría en Bellas Artes con una concentración en pintura y dibujo. En el 2001, se trasladó de regreso a Chile y en el 2016 aprendió el arte del grabado, enfocándose en la litografía.
Ella ha completado dos residencias de arte como grabadora, incluyendo una de un mes en el 2018 en La Ceiba Gráfica en Veracruz, México y con artistas de renombre del “Taller 99” en Santiago en el 2019. Actualmente, ella vive y trabaja como artista visual en Concón, Chile.
Marcela Rodríguez Aguilar (nacida en Talcahuano, Chile; vive en Concón, Chile)
Pacha Map, 2022
reproducción en vinilo (acrílico y óleo sobre madera)
En esta pintura luminosa, Marcela Rodríguez Aguilar visualiza sus preguntas sobre las complejas fuerzas que forman la identidad mestiza. Los cuatro vientos del norte, sur, este y oeste soplan hacia una figura alegórica en el centro que representa la mestiza. Haciéndose parecer a una luna creciente convexa, la figura—con un ojo azul y uno verde—es una expresión de dualidad sostenida dentro de un solo ser. Gloria de la mañana—flores protectoras, medicinales y espirituales, las cuales cambian de color dependiendo de la luz—se extienden entre los hemisferios sur y norte.
La artista investigó mapas como fuente de inspiración porque estos son herramientas imperfectas de orientación. Estos proyectan espacios tridimensionales sobre superficies bidimensionales aplanadas. De manera similar, la geografía, cultura, lengua e historia son algunos de los factores que confluyen para dar forma a la identidad pero no pueden ser prueba total de las mismas.
Nacida en Chile, Rodríguez Aguilar tomó consciencia de las complejidades sobre su propia identidad cuando vivió en los Estados Unidos desde 1992 hasta el 2001. De regreso en Chile con su familia, ella es madre de hijos de raza mixta chilena y estadounidense que hablan español e inglés. “Estamos entremezclados”, explica Rodríguez Aguilar, mientras continuamos preguntándonos qué nos hace quienes somos.
Maria José Castillo
María José Castillo es artista y diseñador gráfico de Colombia, radicado actualmente en Minnesota. Además de trabajo comercial, María José cultiva una práctica artística que se alimenta de su curiosidad por la palabra escrita y la comunicación usando poesía, impresión artesanal, diseño editorial, lettering e ilustración como medios principales.
Maria Cristina Tavera (nacida y vive en Minneapolis, Minnesota, US)
Unanchored and other conflated issues, 2022
reproducción en vinilo
En Unanchored and other conflated issues, Maria Cristina Tavera muestra una interacción entre el conquistador español Hernán Cortés y La Malinche, una mujer esclava indígena quien se convirtió en la intérprete, guía y amante de Cortés. Originalmente conocida como Malinalli, Malintzin, o Doña Marina, la reputación de la Malinche ha cambiado a lo largo del tiempo, especialmente después de comienzos del siglo veinte cuando México reclamó su independencia de España. Ella pasó a ser considerada ampliamente como una traidora por haber ayudado a Cortés en la conquista de México. Sin embargo, como madre de su hijo mestizo, La Malinche también ha representado al antepasado original de los mestizos.
Inspirada por representaciones españolas de la Malinche durante el periodo colonial, Tavera la muestra apuntando a Cortés de manera acusatoria mientras él se enreda con dos anclas. Las anclas son controladas por demonios y simbolizan el intento de Cortés de plantarse él mismo en otra tierra por medio de violencia. En contraste, La Malinche, una víctima y sobreviviente de la esclavitud, es atrapada por tentáculos enrollados, sugiriendo que las circunstancias predeterminadas de su vida la han llevado a instigar a Cortés.
En el 2019, quinientos años después de la conquista española, dos anclas de barco fueron descubiertas en la costa del golfo de México posiblemente relacionadas con la flota de Cortés. Mientras más información sobre lo que es América Latina sale a la superficie, muchas personas de ascendencia mestiza viven una lucha interna para lidiar con sus antepasados colonizados y colonizadores y para descifrar cómo ser parte de la sociedad como persona de raza mixta.
Luis Fitch
Luis Fitch es un artista internacional, diseñador, mentor y creativo empresarial quien es actualmente el fundador y director creativo de UNO Branding, una agencia multicultural de estrategia visual y comunicaciones.
Él fue criado en Tijuana, México y se mudó a los Estados Unidos en 1985. Allí asistió al prestigioso Art Center College of Design en Pasadena, California. Él se graduó en 1990 con una licenciatura en Bellas Artes.
Además de tener un gran éxito con arte comercial a través de su agencia UNO, su obra artística ha sido presentada nacional e internacionalmente y es parte de más de cien colecciones en Latinoamérica y los Estados Unidos.
Con el crecimiento acelerado de la población Latinx en los Estados Unidos, Luis está ansioso de asegurarse que esta comunidad se sienta servida. “Ahora más que nunca en la nueva cara de América existe una gran oportunidad de hacer arte centrado primariamente en temas Latinx con atractivo multi segmentario,” dice Luis Fitch.
Bobby Marines
Originario de Robstown, Texas, ciudad reconocida en el pasado como “la más peligrosa” por el FBI y “la peor ciudad” en USA Today, Bobby Marines es un artista residenciado en Minnesota cuyo trabajo considera la influencia socioeconómica, el tema racial y el sistema de justicia criminal sobre la identidad Chicano(x).
Bobby creció rodeado de pobreza, cultura de pandillas y la epidemia de drogas. Su práctica interdisciplinaria hace referencia a experiencias personales que reflejan de manera sincera la realidad actual de comunidades marginalizadas y desatendidas.
Bobby Marines (nacido en Robstown, Texas, US; vive en Minnesota, US)
Ballin’, 2022
acrílico, esmalte, pegamento, plástico y cáscaras de huevo sobre lienzo
En Ballin’, título proveniente de la jerga riqueza ostentosa, Bobby Marines investiga un sentido falso de movilidad social para la gente Latinx de descendencia racial mixta. Enmarcando la figura central hay dieciséis cáscaras de huevo o cascarones, un símbolo de la resurrección de Jesucristo para los católicos a lo largo de Latinoamérica que es usado con frecuencia durante las celebraciones de carnaval y Pascua. Estos cascarones crean un gradiente de varios tonos y tintes marrones que hacen referencia a las dieciséis clasificaciones del sistema colonial de castas desde el siglo décimo sexto hasta el décimo noveno a lo largo de lo que hoy es América Latina.
Los españoles y portugueses crearon el sistema de castas para mantener el poder y la superioridad sobre otros grupos raciales y gente de raza mixta de ascendencia europea, indígena y africana. Este sistema también fue usado para determinar el estatus social y económico dentro de la sociedad. La movilidad social era posible dentro del sistema al comprar un estatus más alto, lo que básicamente le permitía a la gente comprar blancura.
En esta obra, Marines representa la idea de usar el materialismo como medio de movilidad social a través de una silueta en perfíl cubierta en joyas falsas. Para algunos latinoamericanos y sus descendientes en los Estados Unidos, comprar artículos de lujo y de diseño costosos puede ser un símbolo de afluencia y privilegio. Sin embargo, en una sociedad blanca, el materialismo no provee a la gente de raza mixta con movilidad social ya que todavía son considerados inferiores racialmente.
Bobby Marines (nacido en Robstown, Texas, US; vive en Minnesota, US)
Blessed, 2022
acrílico, esmalte y carboncillo sobre lienzo
La pintura de técnica mixta de Bobby Marines explora ideologías y sus influencias en los valores de la sociedad sobre las personas. Marines, examina las maneras como estos sistemas de creencia son transferidos de generación en generación, o inconscientemente a través de normas sociales y la cultura. En el centro hay un retrato de Marines con una corona de espinas, una referencia a su formación católica y a la idea cristiana de que los humanos nacen innatamente con pecados. Alrededor del perímetro hay símbolos de religiones ancestrales y orientales, numerología y filosofía. Tomados de los tatuajes personales del artista, estos símbolos representan sistemas de creencia global, y cada uno provee diferentes perspectivas sobre la vida humana.
La práctica artística de Marines considera la influencia de factores socioeconómicos, raciales, y el sistema de justicia criminal sobre la identidad Chicano(x). Como nativo de Robstown, Texas, ciudad reconocida en el pasado como “la más peligrosa” por el FBI y “la peor ciudad” en USA Today—los años formativos de Marines estuvieron rodeados de pobreza, cultura de pandillas y la epidemia de drogas. Su práctica interdisciplinaria hace referencia a experiencias personales que reflejan de manera sincera la realidad actual de comunidades marginalizadas y desatendidas.
Dougie Padilla
Dr. Swami Lucky Dougie Padilla es un artista visionario autodidacta de raíces noruegas y mexicanas que vive entre Northfield, Minnesota y Pepin, Wisconsin. A los setenta y tres años de edad, él ha vivido en una tienda de campaña en temperaturas bajo cero, en cultivos de soya, ha sobrevivido las tribulaciones psicodélicas de Haight-Ashbury, ha creado y perdido un negocio de un millón de dólares anuales, ha peleado en la guerra en Vietnam, ha hecho meditación y vivido con su gurú en la India, ha hecho miles de dibujos y pinturas, y ha ayudado a fundar numerosas organizaciones y negocios. Entre algunas ocupaciones que él recuerda está la de artista y activista de derechos civiles, granjero, aprendiz de herrero, cortador de jade, pintor de casas, diseñador de ropa deportiva, psíquico, carpintero, instructor de yoga y camillero de hospital. Él aprendió a leer y cantar las cantatas de Bach a los once años, duró dos años problemáticos en la universidad, fue vago esquizofrénico en las calles de Chicago, tuvo su primera falla cardíaca a los veinte años, ayudó a dar a luz a su hija en una comuna rural, y fue entrenador y jugador de fútbol hasta que sus pies no pudieron más a los cincuenta y un años.
Él ha estudiado sobre la vida y la espiritualidad con Swami Vishnudevananda, Swami Venkatesananda, Stephen Gaskin, Katagiri Roshi, Bhagwan Shri Rajneesh (Osho), Michael Macmacha, Robert Bly, James Hillman, Malidome Somé, Echo Bodine y Martín Prectel entre otros.
Él considera a CoBrA School, Alice Coltrane, Federico García Lorca, Howard Finster, Louise Nevelson, Louise Erdrich, Yusef Lateef, Jim Harrison, Manuel Mendive, Artemio Rodríguez, Friedensreich Hundertwasser, Gary Snyder, Marc Chagall, Gabriel García Márquez, Norval Morrisseau y a Nikki de Saint Phalle como los pilares de su universo estético.
Él ha mostrado su obra en el Museé Halle Saint Pierre en París, Francia, Centro Cultural Ex-Carcel en Valparaíso, Chile, Projek Traum en Friedrichshafen, Alemania, Minneapolis Institute of Art y The Frederick R. Weisman Art Museum en Minneapolis, Minnesota, Plains Museum en Fargo, North Dakota, National Mexican Museum of Art en Chicago, Illinois, y en numerosas galerías a lo largo y ancho de las Ciudades Gemelas y los Estados Unidos. Padilla ha servido en varias juntas directivas y comités de sin fines de lucro de arte y ha educado y sido mentor de artistas de varias edades. Él ha curado y organizado exhibiciones y eventos de arte de todos los niveles. A causa de esto, él ha recibido cuatro becas del Minnesota State Arts Board (Artist Initiative Grants), el premio Northeast Minneapolis Arts District Vision, varios premios Ofrenda de CreArte, Chicano Latino Cultural Center and Museum, la beca Jerome Foundation Travel Grant, muchos reconocimientos como “Best of Show” de parte de museos, el Minneapolis’ City Pages’ “Artist of the Year,” y fue incluido en el programa televisivo Twin Cities Public TV’s MN Original, la serie “Forgiveness”, así como en el documental-retrato “lucky dougie padilla” de Xavier Tavera. Él ha estado casado con su maravillosa esposa Susan por treinta y dos años, tiene dos hijos espectaculares y cuatro nietos encantadores.
Dougie Padilla (nacido en Cedar Rapids, Iowa, US; vive en Northfield, Minnesota y Pepin, Wisconsin, US)
Mestizo, 2021
técnica mixta (espuma de poliestireno aislante, pintura casera de látex y rocío de esmalte sobre madera contrachapada)
Una meditación sobre la paradoja en forma de plástico aislante sobre madera contrachapada, Mestizo habla del hábito de Padilla de filosofar usando materiales humildes de uso cotidiano. El universo visual de Padilla está lleno de figuras zoomórficas que representan su creencia en la semejanza y el parentesco entre humanos y animales. Aquí, dos figuras, una blanca y otra mestiza, cooperan la una con la otra en una demostración de amistad. Haciendo referencia al yin y el yang del taoísmo chino, estas figuras representan el entendimiento de Padilla sobre la relación entre la diferencia y la unidad (oneness). Padilla explica, “nosotros debemos abordar el privilegio y la diferencia en todas sus formas—y no en la manera superficial de la ‘nueva era’ porque entonces no progresaremos—mientras dependemos también de nuestro sentido de unidad con lo que nos rodea”.
Una vida dedicada a buscar y estudiar la vida y la espiritualidad ha hecho que Padilla se sienta cómodo con dichas tensiones y contradicciones. Padilla es un artista autodidacta con raíces noruegas, mexicanas y de vaquero, y una vida de muchas historias.
Maria Cristina Tavera
Maria Cristina (Tina) Tavera es una artista residenciada en Minneapolis que investiga conceptos de identidad racial, étnica, género, nacional y cultural a través numerosos medios como el grabado, artesanía de cuero, instalación y arte público. La obra se enfoca en la Latinidad dentro de los Estados Unidos. A través de un lente etnográfico, ella identifica y examina procesos de significación determinados por nuestra sociedad sobre cómo las personas se definen así mismas y a sus culturas en la vida cotidiana.
Maria Cristina Tavera posee la ciudadanía mexicana y estadounidense. Tavera es egresada en Liderazgo en las Artes (Master of Leadership in the Arts) de la escuela de posgrado Humphrey School y tiene una licenciatura en Español y Estudios Latinoamericanos de la Universidad de Minnesota. Ella ha exhibido nacional e internacionalmente y ha recibido becas como la McKnight Visual Artist Fellowship, Archibald Bush Leadership Fellowship, Shannon Leadership Institute, Smithsonian Latino Museum Studies program, Museum of Modern Art-New York, Forecast Public Art, Minnesota State Arts Board, Metropolitan Regional Arts Council (MRAC) e Institute of Mexicans Abroad (IME).
Sus trabajos pueden ser encontrados en las colecciones del Weisman Art Museum, Fargo Plains Museum, Oglethorpe Museum, Tweed Museum of Art y la Biblioteca Central de Cantabria, Santander, España. Como curadora independiente, ella ha preparado la exhibición internacional Sus Voces: Women Printmakers in Mexico en el Highpoint Center for Printmaking, Minneapolis, Minnesota y fue co-curadora de American Art its Complicated en el Minnesota Museum of American Art (el M). Sus escritos han sido publicados por el Walker Art Center, Minneapolis Institute of Arts, así como también en un libro titulado Mexican Pulp Art.
Maria Cristina Tavera (nacida y vive en Minneapolis, Minnesota, US)
Unanchored and other conflated issues, 2022
reproducción en vinilo
En Unanchored and other conflated issues, Maria Cristina Tavera muestra una interacción entre el conquistador español Hernán Cortés y La Malinche, una mujer esclava indígena quien se convirtió en la intérprete, guía y amante de Cortés. Originalmente conocida como Malinalli, Malintzin, o Doña Marina, la reputación de la Malinche ha cambiado a lo largo del tiempo, especialmente después de comienzos del siglo veinte cuando México reclamó su independencia de España. Ella pasó a ser considerada ampliamente como una traidora por haber ayudado a Cortés en la conquista de México. Sin embargo, como madre de su hijo mestizo, La Malinche también ha representado al antepasado original de los mestizos.
Inspirada por representaciones españolas de la Malinche durante el periodo colonial, Tavera la muestra apuntando a Cortés de manera acusatoria mientras él se enreda con dos anclas. Las anclas son controladas por demonios y simbolizan el intento de Cortés de plantarse él mismo en otra tierra por medio de violencia. En contraste, La Malinche, una víctima y sobreviviente de la esclavitud, es atrapada por tentáculos enrollados, sugiriendo que las circunstancias predeterminadas de su vida la han llevado a instigar a Cortés.
En el 2019, quinientos años después de la conquista española, dos anclas de barco fueron descubiertas en la costa del golfo de México posiblemente relacionadas con la flota de Cortés. Mientras más información sobre lo que es América Latina sale a la superficie, muchas personas de ascendencia mestiza viven una lucha interna para lidiar con sus antepasados colonizados y colonizadores y para descifrar cómo ser parte de la sociedad como persona de raza mixta.
Xavier Tavera
Después de haberse mudado de Ciudad de México a los Estados Unidos, Xavier Tavera aprendió lo que es sentirse parte de una subcultura–la comunidad inmigrante. La alienación ha transformado el enfoque de sus fotografías para ahora compartir las vidas de aquellos marginalizados. Sus imágenes ofrecen una visión de la diversidad de numerosas comunidades y han dado una voz a aquellos que han permanecido invisibles. Tavera ha expuesto su obra extensivamente en las Ciudades Gemelas y nacional e internacionalmente incluyendo Alemania, Escocia, México, Chile, Uruguay y China. Sus trabajos son parte de la colección del Minneapolis Institute of Art, Plaines Art Museum, Minnesota Museum of American Art, Minnesota History Center, Ramsey County Historical Society y el Weisman Art Museum. Él es beneficiario de la beca McKnight, el premio Jerome Travel, y de becas del State Arts Board y Bronica.
Xavier Tavera (nacido en Ciudad de México, México; vive en Minneapolis, Minnesota, US)
El Duelo/The Duel, 2021
reproducción en vinilo
Con un poco de humor, Xavier Tavera crea la escena El Duelo, una reiteración de la confrontación entre el inequívoco y moral hombre bueno y el hombre malo visto con frecuencia en las películas del Oeste de Hollywood. Dentro de la tradición de Hollywood, se presume que el vaquero americano es blanco, mientras que el vaquero mexicano por lo general es un villano con bigote y sombrero. A través de su trabajo fotográfico, Tavera ha dado a relucir a verdaderos vaqueros mexicanos en Minnesota—específicamente a migrantes trabajadores de la agricultura en la Minnesota rural—en un esfuerzo para desafiar los estereotipos y redefinir la imagen del vaquero en términos más amplios.
En El Duelo, Tavera dramatiza una batalla interna entre el vaquero mexicano y él mismo, una reflexión sobre el conflicto que se siente al ser mestizo, tanto del colonizado como del colonizador. “¿Cómo asimilamos eso? ¿lo rechazamos? ¿lo combatimos? Hay muchas preguntas, y hay una lucha constante en nuestros cuerpos y mentes”, dice Tavera. Durante el trayecto de exploración de su propia ascendencia e identidad, Tavera ha reflexionado sobre los conceptos erróneos que tenemos sobre nosotros mismos, preguntándonos: ¿qué reconocemos? y ¿qué queremos ignorar?
Xavier Tavera (nacido en Ciudad de México, México; vive en Minneapolis, Minnesota, US)
Cafres, 2022
reproducción en vinilo en cofres de coche
En esta serie de retratos en cofres de coche, Tavera honra a sus sujetos, Albert “Ace” Garcia, Maricella Herrera y Rubén Urrutia. Cada uno está asociado con una representación y encarnación de la Latinidad la cual es comúnmente sujeta a estereotipos—el ex convicto, la reina de belleza y el que cruza la frontera. A través de sus retratos directos y sensibles que combinan fotografía con dibujo digital, Tavera celebra la expresión de estos sujetos a través del adornamiento y rinde tributo a sus vidas y experiencias. Una de las características que definen la práctica fotográfica de Tavera es la conexión que él construye con sus sujetos a lo largo de relaciones en el tiempo.
El uso de cofres de coche como superficie y fondos de los retratos hace referencia a la cultura y tradición mexicano-estadounidense de lowriders, la cual involucra vehículos de diseños personalizados con llantas, pintura y sistemas hidráulicos para andar y mostrar al público. Tavera está interesado en lo ruidoso y llamativo de los lowriders, en contraste con el perfíl bajo de las personas indocumentadas inmigrantes con miedo a ser reconocidas. Este contraste hace resaltar las prácticas culturales lowriders como fuente de empoderamiento y libertad creativa bajo circunstancias sociales más amplias de escrutinio y restricción.
Vlocke Negro
Vlocke Negro es un artista multidisciplinario que usa el espacio público como principal plataforma de expresión. Politólogo de formación y autodidacta de la calle, el artista utiliza la gráfica, el muralismo y la instalación para reflexionar sobre fenómenos como la migración, el poder y las estructuras culturales que sustentan el colonialismo en la actualidad. Vlocke Negro ha tenido la oportunidad de conocer distintos países de Centro y Sudamérica como El Salvador, Honduras, Colombia, Ecuador y Perú. El artista ha llevado a cabo intervenciones en estos países. Vlocke Negro vivió como migrante en Berlín donde conoció la experiencia migratoria en carne propia. Vlocke Negro nació en Ciudad de México de padres oaxaqueños y actualmente radica y trabaja entre Ciudad de México y Oaxaca.
Vlocke Negro (Ciudad de México, México; vive en Oaxaca, México y Ciudad de México, México)
Nunca nos Conquistaron, 2022
reproducción en vinilo
La cara fuerte y desafiante en Nunca nos Conquistaron es un arquetipo de la identidad prehispánica. Usando un estilo gráfico audaz para traer a la figura al presente, Vlocke Negro espera que la gente vea la semejanza entre el estereotipo de un cholo de hoy y el de un antepasado indígena. En la obra, el ancestro trae un mensaje señalado con la palabra nunca, que representa la frase nunca nos conquistaron.
La palabra cholo tiene raíces como término derogatorio usado por los españoles para describir indígenas y gente de raza mixta. A lo largo del tiempo tuvo distintos significados en distintas partes del mundo pero en los Estados Unidos cholo/a ha sido usado para expresar estereotipos negativos al referirse a mexicanos-estadounidenses con estilos de vestimenta raciales y afiliaciones a pandillas.
A través de su uso de rojo y negro, Vlocke Negro rinde homenaje al Movimiento Chicano y a la juventud chicana quienes reclaman el término cholo/a como una fuerza de resistencia en las décadas de los 60 y 70 resultando en la aparición de la subcultura cholo. Como artista autodidacta, Vlocke Negro recoge inspiración de las tradiciones del grafiti y el muralismo mexicano para crear imágenes que confrontan ideas y estructuras de poder que sostienen al colonialismo.
Vlocke Negro (Cuidad de México, México; vive en Oaxaca, México y Cuidad de México, México)
Nezahualcoyotl, 2022 (arriba)
Piedra del Sol, 2022 (medio)
Vasija Zapoteca, 2022 (abajo)
reproducción en vinilo
En esta serie, el artista callejero Vlocke Negro reemplaza el retrato de George Washington en el billete estadounidense de un dólar por símbolos indígenas que han sido usados en billetes mexicanos del pasado y el presente. Después de la Revolución Mexicana (1910–1920), el gobierno mexicano introdujo símbolos indígenas en la moneda, incluyendo el filósofo, guerrero, arquitecto, poeta y líder Nezahualcoyotl y la Piedra del Sol Azteca. Estas imágenes apoyaron una campaña nacionalista dirigida a afirmar un mestizo unificado o de identidad racial mixta, libre de diferencias raciales y culturales.
El significado de estos símbolos cambia cuando es aplicado a la moneda de papel estadounidense, la cual sólo ha representado a una persona indígena a lo largo de su historia. Al crear lo que él describe como un choque entre dos monedas, Vlocke Negro también está haciendo referencia a la compleja y entrelazada historia de México y los Estados Unidos—desde las disputas territoriales que culminaron en la Intervención estadounidense en México (1846–1848) hasta las políticas cambiantes alrededor de la migración de trabajadores a los Estados Unidos a lo largo de los siglos veinte y veintiuno. En el contexto de la migración mexicana, el dólar estadounidense siempre ha sido un símbolo de promesa falsa del sueño americano.
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